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하지만 무엇보다도 연주자나 다른 사람들이 밟을 수 있다는 것 때문에. 세팅과 녹음내내 가슴 졸여야 하기도 한답니다. 그래서 연주가 끝나면 장비 철수시 가장 먼저 나가서 마이크 프리 앰프의 팬텀을 내리고 PZM들부터 걷어옵니다.

다음은 함께 연주한 피아노입니다.

피아노에는 MG의 M930 스테레오 페어를 XY로 사용하였는데, 가끔씩 마이크 제조회사들에서 같은 마이크를 두 개 구입하면 되지 뭐하러 예민하게 스테레오 매치드 페어를 만들어 비싸게 파나..라고 생각해본적도 있었습니다. 그러나 직접 사용해서 들어보게 되면 매치드 페어쪽이 좀더 비싼 가격을 주고라고 충분히 구입할 가치가 있다고 느껴질만큼 '확실히 향상된' 스테레오 이미지, 정위, 위상특성을 보여줍니다.

아주 미세한 수치상의 차이일텐데도 차이가 귀로 느낄 수 있는 것이 참 신기하지요.

MG M930은 중고역이 조금 밝게 나오는 편이라 피아노 녹음에 아주 잘 어울리는데요. 중고역이 밝은 만큼 묵직한 저역을 얻기 어렵습니다. 이번에도 피아노의 저음현에 마이크를 하나 더 사용했으면 하는 아쉬움이 있습니다만, MG M930특유의 그리고 스타인웨이 피아노 특유의 반짝반짝하는 소리는 잘 녹음이 되었습니다.

최종 믹싱에서는 전채널 이퀄라이징이나 필터, 프로세싱을 하지 않았으며 리버브만 아주 살짝 더해주었습니다. 리버브 사용도 적은 이유는, 피아노의 경우도 메인마이크로 들어오는 피아노소리가 충분히 피아노의 엑센트 마이크와 함께 사용이 되면 자연스럽게 피아노에 공간감을 부여해주기 때문입니다.

오케스트라에 이처럼 협연이 있을 경우, 역시나 가장 먼저 고려해야 할 사항은 협연하는 성악가나 연주자의 엑센트 마이크가 아닌, 메인 마이크로 들어오는 협연자의 음색과 밸런스를 조정하는 것이 중요합니다.
이 조정은 단순히 '위치' 밖에 없습니다.

협연자가 서거나 연주하는 위치, 그리고 오케스트라의 밸런스도 좋게 들어오면서 협연자의 음색과 정위도 좋게 들어오게 해야 하는 메인마이크의 위치입니다.

그렇기 때문에 처음에 이야기 한 것 처럼 오케스트라 녹음시 엑센트 마이크에 리버브를 많이 사용해서 소리를 만들어나가는 것 보다는, 메인마이크 세팅과 마이크 선택을 정밀하게 한 후 나머지 세팅을 보조로만 하는 것이 좋은 것 같습니다.

어떻게 보면 누구나 다 아는 내용이지만 실제로 오케스트라 녹음에 있어 메인마이크의 정확한 위치를 느끼게 되는 데에는 많은 경험이 필요한 것 같습니다. 그런 까닭에 구체적으로 마이크를 어떠한 포인트에 어떻게 사용을 하면 된다! 라고 이야기를 하는 것은 조금 어려운 것 같습니다.

어쿠스틱 악기들의 마이킹... 게다가 이렇게 공간음향이 아주 중요한 클래식 오케스트라 녹음의 경우는 그저 녹음하는 공간에 가서 연주를 직접 듣고 공간 안에 울리는 소리를 귀로 듣고. 눈으로 보고. 몸으로 느끼며 소리가 가는 길에 마이크를 두는 것, 그것이 바로 제가 하는 오케스트라의 녹음 방법의 전부입니다.

전 함께 일하는 식구들에게 마이킹에 관해서 이야기를 할 때 늘 같은 이야기를 합니다. 우리가 스피커에서 나오는 소리는 시각적으로 쉽게 이미지를 구현할 수 있으면서. 왜 직접 공간 안에서 사람이 연주하는 소리는 시각적 이미지로 구현을 하기 어려울까...라는 것. 다시 말하자면 우리가 늘 듣고 있는 스피커보다는 실제현장에서 음악을 듣고 느끼고 판단하는 시간이 적기 때문에 그러지 못하는 것이라고 생각합니다.

저의 마이킹의 방법은 어떻게 보면 아주 단순합니다. 그래서 누가 마이킹을 물어보면 늘 같은 이야기를 합니다.

"누군가가 악기를 연주하면 가만히 소리를 들어보세요"
"연주자의 주변을 돌며. 각 공간에서 소리가 어떻게 들리는 지 음색을 느껴보세요"
"다음으로 조금 멀찌감치 떨어져 아티스트가 내는 소리가 공간으로 어떻게 흘러가는지 지켜보세요"
"그리고는 소리가 지나가는 그 길에 마이크를 두시면 됩니다."

어떻게 보면 단순한 것입니다. 실제의 소리들을 많이 들으며 스피커에서 나오는 소리를 볼 수 있는 것 처럼, 실제로 연주하는 소리를 볼 수 있게 되면 거기서 어쿠스틱악기의 녹음은 시작이 되는 것이며, 또한 클래식 오케스트라 녹음도 시작이 되는 것이 아닐까 합니다. 저도 가끔은 잘 보이다가도, 어떨 땐 소리만 들리고 소리는 전혀 보이지 않을 때도 있습니다.^^

자, 이렇게 클래식 오케스트라 녹음을 시작하는 선상에서 그 다음은 무엇을 고려해야 할까요? 일전에 녹음했던 백혜선씨가 과거 클래식 음악 잡지에서 했던 인터뷰에 잊혀지지 않고 기억에 남는 문장이 있습니다. 그녀가 막 미국의 프로듀서와 녹음을 끝내고. 프로듀서가 편집한 모니터링 CD를 받아서 듣고 "아.. 내가 이렇게 연주를 잘했나?"라는 생각이 들었다고 합니다.

이렇게 소리의 길을 보기 시작한 다음에는 바로 아티스트의 연주가 좋게 들려야(물론 음악적으로) 하는 녹음을 해야할 것 입니다. 모든 장르의 녹음에서 '음악'은 항상 최우선시 되어야 하는 사항이지만, 클래식 오케스트라 같이 녹음시의 마이크의 위치, 그리고 믹싱 때의 밸런스만으로 음악적인 분위기가 전혀 다르게 들리는 장르는 흔치 않습니다. 이번 녹음에도 메인마이크와 피아노 엑센트 마이크만 사용한 이유가 무엇일까요? 물론 세계최고의 오케스트라는 아니지만 이번 광주시향의 연주는 좋았다고 생각합니다. 세계최고의 오케스트라의 연주처럼 들리게 하는 것은 어찌 보면 녹음도 많은 영향을 주고 있는 것일런지도 모릅니다.

메인마이크가 아닌 엑센트마이크들로만 사용을 해서 적당하게 멋진 리버브를 걸고 이퀄라이저를 사용해서 소리를 부드럽거나 섬세하게. 혹은 풍부하게 만들어보면 어떨까요? 물론 이렇게 하면 소리는 좀더 깨끗하고 좋을런지는 모릅니다.

하지만! 메인마이크로 들어오는 오케스트라의 연주와 음악이 훨씬 더 음악적이며, 무엇보다도 '앙상블'이 아주 좋습니다. 아무리 뛰어난 레코딩 엔지니어라고 할지라도. 그 음악을 실제 지휘한 지휘자보다 그 음악을 더 잘알고 있을수는 없을 것 입니다. 우리가 녹음한 오케스트라의 밸런스는 지휘자의 머리와 몸에서 나온 것이니까요. 지휘자가 생각한 머릿속에 있는 이미지와 밸런스와 가까운 소리. 그것은 엑센트 마이크를 조합한 것보다는 메인 마이크로 들어오는 것이 아마도 더 가까울 것이라고 저는 믿고 있습니다. 물론 메인마이크의 위치가 정확해야 한다는 점이 우선시 되야겠지요.

거창한 클래식 오케스트라 녹음에 대한 이야기이지만 구체적인 시원한 이야기들은 별로 없는 것 같습니다. 하지만 제가 오케스트라 녹음에 관해서 알고 느끼고 있는 것은 아직 여기까지. 더욱 더 많은 부분들을 앞으로 어떠한 것들이 있을까. 그래서 더욱 기대가 되는 것이 클래식 오케스트라의 녹음입니다.